SESIÓN_15_Educación Artística_Lágrimas en la lluvia...

Texto: "Lágrimas en la lluvia. Debate sobre la Educación Artística y la Posmodernidad" de Carlos Escaño (2003).

En la lectura del mismo podemos encontrar una serie de conceptos utilizados durante el desarrollo del módulo (posmodernidad, autocrítica, conocimiento artístico, costrucción cognitiva, currículo como proceso creaivo, pedagogía artística,...).

La Educación Artística o la enseñanza del arte, tiene la finalidad de contribuir a la comprensión del panorama social y cultural en el que vivimos todas las personas.

La actitud que se debe tomar ante la situación actual, es una actitud activa y creadora dentro de este contexto posmoderno en el que nos encontramos inmerso en una sociedad de continuos cambios, avances tecnológicos, diferentes pensamientos y puntos de vista.

Hoy en día existe una mayor implicación social y pedagógica en relación a la educación artística. La relación profesor-alumno se ve modificada con la intervención de las nuevas tecnologías como herramienta didáctica y mejora en la colaboración del desarrollo educativo; por lo que podríamos decir que la relación actual dentro de la educación se centraría en: profesor-NNTT-alumno.

Los papeles principales son los del alumno y las Nuevas Tecnologías, como la intervención de actividades didácticas en la misma para el aprendizaje de los alumnos, teniendo así el profesor un papel secundario como guía del alumno.

Sí es verdad que el profesor no sólo guiará al alumno en el aprendizaje, sino que desarrollará un currículo abierto y flexible, adptándose a las necesidades y cambios de la sociedad.

La Educación Artística, se puede definir como un mero instrumento donde intervienen una serie de factores abiertos, flexibles y cambiantes ante la evolución de la sociedad en la que nos encontramos. Se va a basar fundamentalmente en la necesidad y en el desarrollo de la creatividad, del sentimiento y del aprendizaje en la puesta en práctica de la misma.  

 

SESIÓN_14_La otra realidad

En esta sesión recibimos la visita de Javier Baena, profesor de Secundaria de dibujo.

Con él pudimos experimentar la realidad docente desde otro punto de vista al de Eva.

Él trabajó en uno de los IES más problemáticos de Barbate, con un alto índice de absentismo escolar, alumnos con problemas de todo tipo,etc.

Nos mostró cómo a pesar de la situación, puedes crear una programación  para el aula con unas actividades lo suficientemente sugerentes para que el alumnado se integre en las mismas y participe en su ejecución.

Es una vez más un ejemplo de motivación para poder enfrentarnos ante este tipo de situaciones.

SESIÓN_13_La mente en blanco...

Eva, profesora de Bachireta Artístico, vino al aula para explicarnos su experiencia en el campo docente. Nos comentó que para describir sus comienzos en el ámbito de la docencia, la mejor frase es "La mente en blanco".

Nos habló de la realidad que había vivido dentro de las aulas de ESO y Bachillerato. Sí es cierto que no todos los alumnos son iguales, pero son adolescentes por lo general tienen de todo. Les es muy fácil conseguir las cosas, por lo que no se esfuerzan ni se motivan a la hora de responder ante sus responsabilidades escolares. 

A la hora de impartir las clases, no sólo te puedes encontrar con problemas de diversos tipos relacionados con el alumnado, si no que, además existen otras presiones como poder exlicar toda la materia programada. Problema que se agrava cuando hablamos de cursos como el de segundo de bachillerato.

En conclusión, decir que tras este nuevo contacto con la realidad, a través del testimonio de Eva, me da muchas cosas en las que pensar. Entre ellas, si realmente para comenzar en la realidad educativa hay que dejar la mente en blanco o intentar pensar con otros colores... 

SESIÓN_12_Arthur Danto.

“El final del arte”. Por Arthur Danto.

En la lectura de este texto, vemos el reflejo por parte del autor de la idea de que todo se ha inventado, todo se ha descubierto y todo se conoce. A partir de este punto, el autor nos plantea:

"¿Ha llegado todo esto a su fin? ¿Se ha alcanzado un punto en el que puede darse el cambio sin la evolución, en el que los motores de la producción artística sólo consiguen combinar una y otra vez formas conocidas, aunque las presiones externas puedan favorecer esta o aquella combinación? ¿Es que ya no hay una posibilidad histórica de que el arte continúe sorprendiéndonos? ¿No será que la Edad del Arte se ha agotado? ¿No será, como en la asombrosa y melancólica frase de Hegel, que ha envejecido una forma de vida? ¿Es posible que la salvaje efervescencia del mundo del arte en las últimas siete u ocho décadas haya sido la fermentación terminal de algo cuya química histórica requiere todavía una explicación?..."

El arte continúa existiendo, pero está atravesando una época sin avance de ningun tipo. Existe una continuidad en el reconocimiento de elaborar arte, pero la capacidad de emocionar de una forma artística va a acabar por desaparecer.

Hoy en día el arte es un medio de expresión histórico, cultural, de costumbres, etc. La búsqueda de nuevas formas de arte es más abierta que nunca.

 

SESIÓN_11_Clifford Geertz

"El arte como sistema cultural".Capítulo 5º de "Conocimiento local. Ensayos sobre la interpretación de las culturas" de Clifford Geertz  (1994).

Análisis del texto.

El autor comienza el texto planteando: "Con cierta frecuencia, se dice que resulta difícil hacer comentarios sobre el arte". Continúa diciendo que no sólo es difícil sino que también es innecesario. Sin embargo hablamos de él como una "necesidad interminable".

Para ello, el autor explica que el arte sólo se comprende dentro de las culturas en las que de desarrolla, ya que forma parte de ellas. Posee unas formas, lenguajes y significados propios de la misma a la que pertenece.

Partiendo de este punto, el autor comienza hablándonos sobre ejemplos del arte no-occidental y en concreto del llamado "arte primitivo", donde: "los pueblos de tales culturas no reflexionan sobre su arte...", "no hablan de su arte del modo en que lo hace el observador...", "ellos hablan de su arte, como lo hacen sobre cualquier otra cosa llamativa, sugerente o emocionante que pase por sus vidas".

Podemos entender tras la lectura de este texto, que a partir del lenguaje de la cultura en la que nos encontremos, entenderemos el arte como una parte de la misma.

Para conocer el valor del arte, deberíamos analizar la cultura y sociedad de donde procede, así como los valores de la misma.

SESIÓN_10_La Escuela Expandida

BCC_Banco Común de Conocimientos: Planificación P2pedagogía (P2P-> person to person).
Documental_Situación: Sevilla_Polígono Sur_IES Antonio Domínguez Ortíz -> 40% de absentismo escolar.

En este documental realizado por Platoniq, vemos cómo la educación sale de las aulas y que lo que se aprende no tiene porqué estar escrito en la pizarra o en los libros de textos. “La educación puede suceder en cualquier momento y en cualquier lugar” y un ejemplo de todo esto, es este video.

El documental relata la experiencia vivida en el IES Antonio Domínguez Ortiz (en el barrio de las Tres Mil viviendas). A través de un relato el documental se plantea como una performance con un final emocionante. Vemos cómo los alumnos de este instituto, catalogados como estudiantes sin motivaciones, con problemas familiares, sin aspiraciones de ningún tipo y con un alto porcentaje de absentismo escolar, se involucran y se comprometen a la hora de realizar las actividades propuestas. Se sienten útiles y motivados pudiendo compartir conocimientos que pueden ser válidos para otros compañeros. 

El video se convierte en una relidad que muchos pueden ver como una ilusión o como una situalción sin solución. Sí, se puede. Se puede y es emocionante ver que así sea. Podemos encontrar en documental desde cómo unos alumnos enseñan a una profesora a limpiar el radiador de su moto, hasta cómo otro de los alumnos enseña a sus compañeros a crearse un perfil en las redes sociales.

SESIÓN_09_Mapa conceptual de Arte

En esta sesión realizaremos un mapa conceptual para desarrollar el aprendizaje significativo. Para su realización debemos de identificar los conceptos de forma clara y procurar realizarlo con una jerarquía lógica.

Cómo hacerlo:

- Identificar conceptos claros.

- Agrupar conjuntos.

- Organizar por orden la importancia, las jerarquías.

- Establecer las proposiciones entre conceptos.

SESIÓN_08_Definición de la Educación Artística hoy en día.

Podemos definir la Educación Artística como una de las materias que se encuentra dentro del currículo de la educación obligatoria de Primaria y Secundaria.

Muchos de los docentes de otras materias educativas, así como el alumnado, entienden que la educación artística consiste en una asignatura "María" donde se puede dibujar y fácil de aprobar.

Actualmente, el desarrollo de la creatividad, la composición, el desarrollo de capacidades y los conocimientos, la destreza, la sensibilidad , etc. son propios de la educación artística.

No sólo se pinta o dibuja, sino que se tratan diversos campos, como la educación visual donde incluimos la creación de imágenes y objetos, como la fotografía, el vídeo y la utilización del ordenador;

Además la educación artístaca implica la utilización de materiales y texturas tales como los tejidos,la madera, los plásticos, etc.

Estas son algunas de las alternativas que se nos proporciona a través de esta materia. Estamos en contacto con las diversas formas de ver lo que nos rodea y de manifestar nuestras sensaciones a través de ellas.

SESIÓN_07_Análisis y resumen del texto_Didáctica de la Educación Artística

¿Vemos todo lo que miramos?
La mayoría de las personas conoce su entorno a través de imágenes. Las imágenes pueden tener una serie de significados: simple y unívoco, con contenido simbólico, descriptivas,... pero todas ellas forman parte de nuestra vida.

Los niñ@s adquieren ideas sobre lo que es bonito y atractivo o feo y desagradable y utilizarán esos criterios en sus decisiones cotidianas. En la educación artística manifiestan una evolución muy notable en su manera de representar a las personas, los animales, las pantas como los árboles, las casas,...

En la escuela se ha ido cambiando a través de la historia los métodos de enseñanza en el dibujo y artes debido a los cambios y transformaciones que se han producido en el mundo del arte, en la educación y en la sociedad, como bien nos dice el autor en el texto.

Ricardo Marín, nos habla de estas etapas evolutivas de la educación artística:

Período: Antigüedad.
Características: Primeras reflexiones sobre el interés y la orientación de la educación artística en la escuela. El dibujo, materia escolar. Importancia de la figura humana. En la arquitectura, todo se desrrolla para la humanidad (medida, proporción,...). El artista no está considerado como tal.
Autores: Aristóteles y Platón.

Período: Edad Media.
Características: No existen ni un sistema escolar ni las escuelas de dibujo. Formación en los talleres profesionales. El aprendizaje está claramente centrado en los materiales y técnicas. Escasos manuales o tratados en cuanto a la formación.
Autores: Teófilo y Cennini.

Período: Del Renacimiento al Romanticismo.
Características: Aparición de escuelas y academias de dibujo (Academia de Florencia, Vasari). Orientación especializada y profesional. Prevalece la enseñanza del dibujo como fundamento de las Bellas Artes. El dibujo imita la naturaleza y busca la belleza. Junto a los ejercicios de dibujo (copia de láminas, de dibujos de grandes maestros, realización de grandes composiciones), aparecen los estudios teóricos (Perspectiva, anatomía, teoría de la proporción, historia del Arte y estética).
Autores: Albeti, L. da Vinci, Durero y Vasari.

Período: S. XIX (1803-1886).
Características: Introducción de "Dibujo" en las materias obligatorias de currículum. Formación del profesorado. Se comprende en Dibujo con una orientación figurativa fundamentada en el dibujo geométrico; existen dos vertientes: artística y técnica. Se elaboran los primeros manuales escolares (Pestalozzi). La tarea fundamental de la escuela es proporcionar claridad en los pasos iniciales (Friedich Froebel).
Autores: Pestalozzi, Schmid, Froebel y Smith.

Período: S.XX (1886-1942).
Características: Desarrollo espectacular de métodos y manuales basados en la copia de láminas. Progresión de la figura geométrica hacia figuras más complejas. Descubrimiento del arte infantil. Convulsiones del mundo artístico a finales del s.XIX (París). Investigación psicoeducativa del arte espontáneo infantil (1º estudios).
Autores: Ricci, Cizek, Luquet y Freinet.

Período: S.XX (2ª mitad).
Características: Autoexpresión creativa. Lo decisivo se encuentra en el docente y no en los centros de enseñanza. A través de las artes se es persona. Desarrollo personal del alumno. Desarrollo de la capacidad creativa, del dibujo libre y espontáneo.
La INSEA: se aprueban las recomendaciones relativas a las artes plásticas en educación primaria y secundaria.
El lenguaje visual como modo de conocimiento: lenguaje de las artes visuales: "leyes de apreciación visual". La importancia de los medios. Elementos básicos del lenguaje visual (Punto, línea, contorno, dirección, tono, color, textura, proporción, dimensión y movimiento).
DBAE: desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para que puedan comprender y llegar a apreciar el arte. Conocer teorías y conceptos artísticos a la par que poseer experiencia en los procesos de creación. Progresión en cuanto cantidad y complejidad de contenidos. Defensa del conocimiento para la mejora y ampliación de las capacidades creativas.
Autores: Dámico, Read, Lowenfeld, Feldman, Eisner y Gardner.

Con estas bases conocemos la historia de la educación artística y su desarrollo, así como de la metodología empleada.

SESIÓN_06_Exposición didáctica de la educación artística

Durante algunos días, realizamos un trabajo donde preparamos una clase entre un grupo de seis personas aproximadamente de uno de los bloques del texto: "Didáctica de la Educación Artística" de R. Marín.

Se relizaron cinco exposiciones de los diferentes bloques en los que se dividió el texto:

• BloqueI: Antigüedad + Edad Media + El Dibujo en la Escuela: siglo XIX(grupo 1).
• BloqueII: La primera mitad del s.XX: el descubrimiento del arte infantil(grupos 2 y 4).
• Bloque III: La segunda mitad del s.XX: desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina (grupos 3 y 5).

Los cinco grupos realizaron la exposición desde un punto de vista experimental y enfocado hacia otro tipo de alumnado que no era precisamente el que se encontraba en el aula, ya que algunas actividades que se plantearon iban más enfocadas a alumnos de secundaria. Aún así, todos los grupos nos pusimos a prueba con las exposiciones y experimentamos el trabajo que conlleva la preparación de las clases y de las actividades en el campo docente.

Por lo general, las exposiciones fueron bastante claras y amenas, con actividades de fácil comprensión y acordes con la exposición teórica.

El grupo 5, compuesto por Juanjo, Mercedes, Inma, Fran, Rafa y yo, expusimos el bloque III desde un punto de vista más práctico que teórico, donde se formularon una serrie d prácticas hacia el alumnado de forma experimental y luego se reflexionaba sobre ellas ayudados de la parte teórica acompañada por imágenes.

Análisis del resto de exposiciones: 

- Grupo 1 (BloqueI), expusieron el texto dividiéndolo por partes y repartiéndolo entre el grupo. La exposición fué clara y sencilla.

- Grupo 2 (BloqueII), la exposición fué fundamentalmente teórica aunque al final se realizó una actividad.

- Grupo 3 (BloqueIII), fué una exposición teórica, siguiendo el mismo guión que el grupo 1, se repartieron la explicación entre los componentes del grupo y se realizó una actividad de debate sobre lo expuesto. La explicación fué bastante completa, fácil de entender y amena. 

- Grupo 4 (BloqueII), expuso con la misma metodología que el grupo 2, primero optaron por la teoría y por último se realizó una actividad de carácter manual.

CONCLUSIÓN:

Desde mi punto de vista, creo que mi grupo lo hizo bastante bien, rompimos los moldes con respecto la metodología del resto de compañeros. Fué una exposición dinámica y llena de sorpresas.

El grupo que más me gustó, fué el grupo 4. La explicación teórica me gustó bastante por la tipología de exposición que realizaron, sencilla y aclaratoria. Además la parte práctica, por sencilla que fuese, nos hizo pasar un buen rato y la participación de toda la clase con la búsqueda de formas y estructuras nuevas con los palillos y la plastilina.

 

SESIÓN_05_Seis sombreros para pensar

En esta sesión vamos a hablar sobre varios temas. Entre ellos está la educación-creatividad. Para ello vemos un video de Ken Robinson: "Las escuelas matan la creatividad".

De aquí podemos extraer que la estructura del sistema educativo sigue siendo la misma durante años. Se repite un modelo donde las disciplinas están diseñadas para el pensamiento lógico-racional. Hay que dejar que los niños se equivoquen para que puedan ver y pensar hacia todos los campos y no limitarlos a ver lo que queremos que vean. 

La educación de hoy en día se centra en la formación del pensamiento. La creatividad no está considerada como algo serio. 

En esta sesión también realizamos una práctica, donde hemos utilizado ótra técnica para fomentar la creatividad y que nos sirve para afrontar problemas desde múltiples perspectivas y ordenar nuestros diferentes modos de pensar. Esta técnica se denomina: "Seis sombreros para pensar".

Se trata de asignar un sombrero a cada persona perteneciente a un grupo de seis personas. Son seis formas de pensar distintas:

• Sombrero Blanco -> La falta de color, indica una estructura neutral de la mente. El “sombrero de pensar blanco” está basado en hechos y números. Está diseñado para ser práctico. Arroja sólo hechos, no opiniones.
• Sombrero Rojo -> Es el opuesto al blanco. El sombrero rojo reconoce que nuestros sentimientos forman parte integral de nuestro proceso de pensamiento. Nos facilita expresar emociones e intuiciones.
• Sombrero Negro -> Indica cuidado y precaución. Es en líneas generales el más usado. Con este sombrero, uno puede identificar las dificultades potenciales y evitarlas a tiempo. Puede ayudarle a decidir si proceder de acuerdo al plan o proyecto estipulado.
• Sombrero Amarillo -> Indica el optimismo. El sombrero amarillo provee el contrapeso al sombrero negro, permitiendo realizar una evaluación positiva.
• Sombrero Verde -> Creativo. Se basa en la idea de provocación y pensar en beneficio de identificar nuevas posibilidades.
• Sombrero Azul -> Indica autoridad. Proporciona un rol permanente para el líder del grupo. Es el responsable de definir el objetivo, establecer el enfoque y asegurarse que las reglas sean cumplidas.

Este sistema nos enseña a posicionarnos desde distintos puntos de vista. El tema sobre el que hemos tratado es: "Vanguardias artísticas.¿Qué y cómo enseñarlas?".

El tema se centra en un centro situado en la periferia llamado Antonio Domínguez Ortiz. Nos enfrentamos ante un grupo de 25 alumnos de 1º de ESO. Duración de unas 6 horas. Tenemos para preparar la práctica un tiempo de 30 minutos. 

En mi grupo se ha propuesto un contenido que dura 2 horas semanales con una duración total de 3 semanas. El contenido consta de:

1. Planteamiento de qué son las vanguardias.(1h).
2. Planteamiento teórico-práctico del color (simbología y tratamiento).(1h).
3. Práctica: ejercicio-concurso con materiales reciclados en los muros exteriores del colegio.(3h).
4. Conclusiones. Puesta en comun y elección del ganador por parte del alumnado.(1h).

Con esta práctica se fomenta la participación del alumnado, la práctica sobre las vanguardias y la mentalización sobre el tema del reciclaje como tema transversal.

SESIÓN_04_Brainstorming

En esta sesión hemos utilizado el método brainstorming que es una técnica que facilita el surgimiento de ideas ante un problema propuesto. Es una técnica que se realiza en grupo ante un entorno relajado.

El grupo está compuesto de 4 a 7 personas donde existen dos figuras importantes:

• El coordinador -> promueve la participación de los componentes del grupo.
• El secretario -> registra las ideas que se vayan mencionando por parte de todos.

Todas la ideas del grupo son válidas, ya que se debe de pensar con absoluta libertad. Se necesita realizar una combinación de ideas para un óptimo resultado. Podemos considerarlo como una actividad para el desarrollo de la creatividad.

En esta sesión se propuso realizar un brainstorming de 15 minutos para poder llegar a una definición de "creativo". Para ello surgieron palabras como: necesidad, soñar, volar, volcán, expresión, liberación, comunicación, materilización, pensamiento,...

La definición a la que llegamos mi grupo y yo, es la siguiente:

"Creativo es aquello que surge de la nada como un volcán en un momento de crisis activando rápidamente un pensamiento estático que entra en movimiento para generar emociones, colores,... revolucionando la vida de las personas y generando nuevas ideas".

SESIÓN_03_Reflexión sobre el arte como necesidad social

Podemos decir que el arte es una necesidad social, ya que todas las sociedades existentes crean arte. 

El arte se basa en todo aquello que nos rodea, bien como una manifestación de sentimientos por parte del artista, así como una respuesta social ante el mundo que le rodea. 

El arte responde a una doble necesidad: individual y social. Esta manifestación es capaz de captar conocimientos del medio físico y psiquíco que nos rodea, y nos permite a su vez que lo dominemos.

Esta realidad social, se expresa a través de las ideas del artista, donde entran sus creencias, vivencias, experiencias,...

De esta manera el artista pone de manifiesto estas sensaciones y se las comunica a las personas que lo van a contemplar. Por lo que se crea un "lenguaje" entre el artista y el espectador.

SESIÓN_02_Reflexión en torno al concepto arte, artista y manifestación estética (2ª parte)

En este segundo día de reflexión, hablamos sobre si deberíamos de plantear límites éticos en la creación artística. Nuestros planteamientos nos llevaron a pensar que sí se deberían de marcar unos límites, tanto por parte del propio artístita en función de la sociedad a la que va a dirigida su obra, como los límites por parte del espectador que aceptará o no la obra de arte. Además, se cuestionó si era o no necesaria la técnica para considerar la obra como objeto artístico. En este punto se ha considerado que no es necesaria la técnica para considerar que algo sea arte, pero sí es verdad que cuanto mejor conozcas las herramientas que utilices, más cercano estarás del resultado que se busca. El radio de acción se amplía.

Al igual, se habló de la originalidad. Ésta no es condición para la obra de arte, aunque el arte y la originalidad son conceptos que van estrechamente relacionados. La obra de arte en contextos diferentes, tendrá consideraciones muy variadas. Ésta depende de la cultura en la que se inscribe.  Hoy en día es muy difícil ser original, ya que todo está creado en alguna parte del mundo.

Además añadir que el término artista,  proviene del latín "ars". La primera definición que se conoce de ella es la dada por Platón: "hombre de Dios" - "locura divina". De esta forma, podríamos definir al artista como una persona que está dotada de cualidades para dedicarse a las Artes. Podríamos decir que el artista contiene una serie de características: talento, aptitud y genialidad.

La manifestación estética de la obra de arte, viene dada como algo natural, algo bello e intrínseco en la misma, y que variará en función del concepto de belleza que tengan los ojos que miren la obra y que dependerá a su vez, de la época, del lugar y del contexto social y cultural en el que se encuentren.

Como conclusión, plantear que para mí el arte es una necesidad social mediante la cual expresamos una realidad física y psicológica del ser humano. La realidad se interpreta a través de ideas y creencias. Reconocemos el arte por su belleza estética respondiendo siempre a unos principios éticos insertados en el contexto cultural.

SESIÓN_01_Reflexión en torno al concepto arte y manifestación estética (1ª parte)

En este segundo día se han planteado una serie de cuestiones acerca del arte y de la manifestación estética.

Dentro de estas preguntas, hemos reflexionado sobre si existe el goce estético en unas imágenes en concreto: un video sobre el atentado del 11-S. Nosotros como occidentales, vemos estas imágenes desde un punto de vista acostumbrado a la información visual donde atendemos más al concepto estético. Un objeto puede tener tanto goce artístico como estético a la misma vez. Son dos conceptos distintos, pero que suelen ir estrechamente ligados. Ambos dependen de la intencionalidad del artista. Cuando la intención es comunicativa, tratamos de un goce estético.

Además en este día hemos tocado la cuestión sobre el arte como patrimonio cultural. Este concepto nació no hace mucho y es una etiqueta occidental. Todo hecho artístico es un símbolo con mayor o menor carga intelectual. El arte puede llegar a tener un significado tanto a nivel político como religioso, social, cultural, etc.

A continuación, abordamos el tema sobre si el arte está relacionado con la belleza y si la fotografía de la izquierda, "el cerro de los 7 colores" la podemos considerar objeto artístico o considerarla objeto estético. En este caso, consideramos la belleza como algo subjetivo, algo que contiene cuestiones propias e inherentes y que posee una serie de cualidades (y no otras) que determinan si algo es bello o no. Con respecto a la fotografía, el paisaje como obra natural, no la podemos considerar como algo artístico pero sí lo podemos considerar como un objeto estético. Por el contrario la fotografía sí trata de un objeto artístico y estético, ya que se ha realizado con esos fines y además está creado por el ser humano.

SESIÓN_00_Inicio del curso

Ha sido nuestro primer contacto con el módulo, con nuestro profesor. Nos ha mostrado cómo se va a desarrollar del programa de la asignatura. Se nos plantea la creación de un blog donde podamos expresar nuestra experiencia después de cada sesión en el aula. Donde situemos nuestros pensamientos y reflexiones de lo aprendido en clase.